21 Técnicas y Reglas Esenciales de Composición Fotográfica que Todo Fotógrafo Debe Dominar Designed by Kate

La composición en fotografía es el arte y la ciencia de organizar elementos en tu foto para producir una imagen que esté equilibrada, tenga atractivo visual y cree el impacto deseado en el espectador.

Los fotógrafos confían en técnicas y reglas de composición probadas, como la regla de tercios, la profundidad, las líneas guías, el encuadre, el equilibrio y más, para obtener la toma que desean. Usar diferentes reglas para la misma escena produce diferentes resultados, por lo que experimentar con las reglas de composición es una práctica necesaria.

Esta guía explora la importancia de la composición en fotografía y proporciona 21 técnicas de composición para poner en práctica, experimentando con ellas hasta que puedas usarlas de manera confiable para obtener las fotografías que deseas.

¿Qué es la Composición en Fotografía?

La composición en fotografía es la forma en que organizas y capturas los elementos dentro del marco para crear una fotografía que involucre al espectador. Cualquier escena se puede componer con una cámara de muchas maneras. Las imágenes con buena composición muestran un equilibrio apropiado, guían la mirada del espectador por la imagen y siguen técnicas y reglas de composición probadas.

Cuando los elementos pueden ser organizados y reorganizados, puedes componer la imagen exactamente como desees. Pero en la mayoría de los casos, la composición cambia dependiendo de la perspectiva desde la cual disparas a los sujetos y objetos en el marco, cuáles se incluyen y cuáles se excluyen.

La composición fotográfica ha sido descrita por el fotógrafo Edward Weston como “la forma más fuerte de ver” lo que se encuentra frente al fotógrafo. Considera el punto de vista, las decisiones sobre la profundidad y qué elementos mostrar del primer plano al fondo, y si mostrar los elementos de fondo con detalle o borrosos. Experimentar con diferentes escenas y su composición es esencial para una composición efectiva en fotografía.

¿Cuál es la Importancia de la Composición en Fotografía?

La composición en fotografía es importante por cómo se ve la foto, la declaración que hace, la emoción que evoca. Una composición adecuada para esa toma lleva una imagen de buena a gran en la mente del fotógrafo y del espectador. La composición ha sido descrita como una narración visual diseñada para tener un impacto emocional mientras presenta la escena con el interés que obtienes de ella. Como dice el refrán, “una imagen vale más que mil palabras.” Y la composición determina qué esas 1,000 palabras serán.

Por eso, conocer las técnicas y reglas de composición es esencial para los fotógrafos, desde novatos hasta expertos. La composición es tu forma personal de traducir lo que ves y sientes de tal manera que la imagen final exude tu perspectiva, pensamiento y emoción.

¿Cuáles son los Elementos de Composición en Fotografía?

Los elementos de la composición son las características únicas disponibles que el fotógrafo utiliza para crear una imagen que cuente una historia de manera impactante. Los elementos comunes de la composición incluyen:

• Puntos de interés: Este es el bloque de construcción fundamental de la composición, lo que hace que la escena sea atractiva para el fotógrafo y los espectadores de la imagen. Estos puntos de interés incluyen los sujetos principales y secundarios.
• Perspectiva: El mismo entorno puede ser disparado desde cualquier cantidad de puntos de vista. Por lo tanto, el fotógrafo debe elegir uno que le dé a la toma la sensación que desea. Disparar desde diferentes alturas proporciona diferentes perspectivas, al igual que disparar de frente o de lado a lado.
• Espacio vacío: Llamado espacio negativo, el vacío alrededor de un sujeto puede servir para resaltarlo y atraer la mirada hacia él.
• Equilibrio: Una imagen equilibrada no tiene que mostrar simetría, pero los sujetos deben ser armónicos. Usar la regla de tercios es común para producir equilibrio dentro de un marco.
• Formas y líneas: Los fotógrafos hablan sobre usar líneas guías naturales o creadas por el hombre, como un río o una calle, dentro de la escena para guiar la mirada del espectador a través de la foto. Las formas pueden encapsular sujetos, ya sean naturales o inorgánicos, y crear áreas de interés visual.

Elementos adicionales de composición a considerar incluyen la profundidad en la que el primer plano está aislado del fondo o en la que se utiliza una mayor profundidad de campo, destacando texturas o patrones, contrastes de luz y oscuridad, y el uso de colores para contrastar o producir armonía.

¿Cuáles son las Técnicas y Reglas de Composición en Fotografía?

Las técnicas y reglas de composición fotográfica son métodos probados de componer imágenes que expresan la escena de manera impactante y producen una respuesta en el espectador.

Si bien a menudo se les llama reglas, las técnicas de composición son formas de producir una imagen, sugerencias o pautas en lugar de decisiones “correctas o incorrectas” al fotografiar un sujeto o escena.

Algunas de las reglas y técnicas de composición más conocidas incluyen la regla de tercios para colocar elementos dentro de la escena en líneas de cuadrícula, usar espacios negativos o vacíos para resaltar sujetos, incluir líneas guías para guiar la mirada del espectador a través de la escena, aprovechar la profundidad de campo para tomas poco profundas borrosas y aquellas con detalle nítido en el primer plano y fondo, llenar el marco para resaltar tu sujeto, crear equilibrio y armonía en la imagen, y aprovechar el encuadre natural en la escena.

No todas las técnicas para la composición se pueden usar en cada toma. Más bien, son como herramientas que puedes emplear para obtener la mejor ventaja dada la escena que tienes frente a ti o la imagen que intentas capturar.

Comprender la Regla de Tercios

La regla de tercios es una técnica de composición mental que divide el marco en tercios iguales vertical y horizontalmente, creando una cuadrícula de 3x3.

Tiene aplicación en todos los géneros de fotografía, incluyendo paisaje, retrato, arquitectura y fotografía de vida salvaje. Los sujetos se colocan en la intersección de las líneas de la cuadrícula en lugar de centrar el sujeto principal. El resultado es una imagen que fluye mejor y permite una disposición visualmente más interesante, la inclusión de sujetos secundarios y el uso de otras técnicas de composición.

Hacer Uso del Espacio Negativo y Espacio Positivo

El espacio positivo en la composición es la parte de la fotografía que atrae tu mirada, a menudo el sujeto principal, como en la fotografía de retrato y fotografía de productos. El espacio vacío alrededor de tu sujeto sirve para mostrar el sujeto de manera más prominente.

Usar el espacio negativo se puede lograr disparando al sujeto en un entorno escaso o con una poca profundidad de campo que proporcione bokeh y resalte el espacio positivo ocupado por el sujeto. Aumentar el espacio positivo acercándose o haciendo zoom en el sujeto o reduciéndolo al alejarse afecta significativamente el estado de ánimo de la foto.

Incluir Líneas Guías

Esta regla de composición común alienta el uso de líneas prominentes en la escena para dirigir la mirada hacia el sujeto o punto focal. Las líneas pueden ser generalmente rectas, curvadas o incluso circulares. Usar líneas guías es prominente en la fotografía de calle, paisaje, retrato, producto, interiores y arquitectura, aunque también se aplica de manera más amplia. Ten en cuenta que una línea que sale de la imagen en lugar de hacia un sujeto puede ser una distracción, no un beneficio.

Considerar la Profundidad

La profundidad o profundidad de campo se utiliza en la composición fotográfica para hacer una imagen poco profunda o profunda dependiendo del propósito de la toma. Usa una apertura amplia para una profundidad superficial; una apertura más estrecha crea mayor profundidad en la que puedes capturar en detalle objetos del primer plano, medio y fondo. Experimenta con diferentes configuraciones para producir la mejor profundidad para la toma.

Esta imagen fue tomada con una apertura estrecha para producir más profundidad de campo.

Aquí, una menor profundidad de campo enfatiza el primer plano y borra el fondo.

Lograr Balance Visual

Esta técnica de composición fotográfica es nebulosa - algo que los fotógrafos aprenden a reconocer cuando lo ven, aunque es difícil de definir. El equilibrio puede ser simétrico, en el cual los objetos a cada lado tienen un peso visual similar, o asimétrico. Un equilibrio asimétrico puede funcionar siempre que el peso visual de los lados no sea demasiado diferente. Los rostros de las personas, los animales también, colores brillantes, alto contraste y áreas agudas o con mucha textura tienen más peso visual.

Usa la regla de tercios para posicionar objetos en el marco para un buen equilibrio en todo tipo de fotografía. La experimentación con el equilibrio afina el ojo del fotógrafo para ello.

Usar Encuadre Natural

Cuando el entorno proporciona un encuadre natural, úsalo a tu favor, un “marco dentro del marco.” Puertas, ventanas, arcos, ramas de árboles o dosel de hojas, la imagen en un espejo son los tipos de encuadre natural disponibles para nosotros en fotografía de retratos, paisajes y fotografía de calle. Los fotógrafos pueden crear su propio encuadre disparando a través de algunos de estos elementos para capturar el encuadre en el primer plano.

Experimentar con la Proporción Áurea

La proporción áurea es similar a la regla de tercios, pero más complicada. Es una regla de composición antigua para crear atractivo estético que dice que la proporción ideal de sujetos en una toma es de 1 a 1.618, llamada “el número perfecto” para el ojo humano. Se rumorea que la Mona Lisa fue pintada con esta proporción en mente. Para usarla, compón tu toma con dos puntos focales que estén aproximadamente en una proporción de 1.6 o 1.7 a 1, como se muestra en esta línea. A=1.618 a B = 1.

Llenar el Marco

Haz que tu sujeto sea la atracción principal en tu foto llenando la mayor parte del marco con él, ya sea una persona, un edificio, una escena de calle, un pájaro, una ladera, etc. Darle esta prominencia evita que el espectador se distraiga con detalles o características insignificantes. Esta regla de composición es más útil cuando tienes un solo sujeto a la vista y deseas que domine la toma.

Prestar Atención a los Bordes

Si deseas bordes limpios, asegúrate de que no haya objetos cerca del borde que distraigan la mirada de los sujetos centrales de la imagen. Es posible que debas acercarte al sujeto, hacer zoom o cambiar el ángulo para eliminar objetos no deseados en el borde. Si los objetos en el borde no proporcionan un encuadre natural, elimínalos.

Mantenerlo Simple

Cuanto más simple sea una foto, más comunica un mensaje emocional fuerte o una única historia. La simplicidad resalta el sujeto de una manera que una foto compleja no puede, especialmente en fotografía de retrato, calle, mascotas y macro.

Al igual que observar los bordes, si hay elementos en el marco que distraen del mensaje que deseas que la imagen transmita, elimínalos o muévete hacia arriba, abajo o hacia un lado para mantenerlos fuera del marco. Da a tu sujeto la atención que merece manteniendo la composición simple.

Usar Contrastes en Luz y Color

Luz y oscuridad, brillante y apagado - estos contrastes, a veces llamados “dicotomía emocional”, ayudan a transmitir el significado general y el tono de la foto. Un contraste agudo da intensidad al sujeto principal. Un contraste más sutil irradia calma y refinamiento. Busca oportunidades tanto para tomas de alto contraste como de bajo contraste en fotografía de paisaje, fotografía de calle, fotografía de viajes y más.

Buscar Patrones

Los patrones atraen la mirada ya sea que se encuentren en la naturaleza, la arquitectura u otros escenarios. Una serie de cimas de colinas o picos de montañas, bordes irregulares de un río de hielo, camarones rodeando un plato, una serie de ventanas, etc., todos dan un sentido de conexión y armonía a una fotografía.

Enfocarse en la Textura

Al igual que los patrones, las texturas demandan la atención del espectador y crean una estética atractiva. Las texturas están en todas partes, desde el costado de un acantilado de granito hasta la mejilla de un bebé o una persona anciana hasta la superficie del agua o una hoja. La fotografía macro se utiliza para componer primeros planos de texturas, pero otros tipos como la fotografía de paisajes y viajes pueden incluir texturas incluso cuando no son el enfoque principal de la toma.

Prestar Atención a los Cambios en la Luz

Especialmente al disparar al aire libre, los cambios en la luz ocurren rápidamente y cambian completamente la escena, por ejemplo, de sol brillante a nubes amenazadoras y sombras. A medida que cambia la luz, utiliza diferentes configuraciones y equipos para aprovechar al máximo el estado de ánimo cambiante en tu fotografía de paisaje, fotografía de calle o retratos.

Los sutiles cambios de luz justo después del amanecer hacen una diferencia significativa en el estado de ánimo de esta imagen de árboles cubiertos de escarcha.

Esta toma de “hora dorada” cambió casi por segundos hasta que el atardecer se desvaneció y el cielo se oscureció.

Ajustar la Altura del Trípode según Sea Necesario

Disparar a una altura de pie cómoda no siempre es la mejor manera de enmarcar una toma. Considera elevar o bajar el trípode para proporcionar una perspectiva diferente. Un ángulo bajo da al sujeto altura y fuerza. Elevarlo, incluso por encima de la altura natural de la cabeza, proporciona más profundidad mientras disminuye ligeramente el sujeto.

Experimenta con la altura del trípode en tu fotografía de retratos, productos, arquitectura, viajes o eventos - o lo que sea que dispares a continuación.

Cambiar de Perspectiva

Incluso si la escena frente a ti está estacionaria, puedes dispararla desde ángulos y perspectivas ilimitadas. Considera un río, por ejemplo. Puedes dispararlo desde cualquiera de sus lados, desde todos los ángulos, y desde el agua moviéndose hacia ti o alejándose de ti.

Muévete alrededor del sujeto, tanto de lado a lado como de arriba hacia abajo, para capturar las tomas más visualmente atractivas. Puede ayudar cambiar de lentes, agregar un filtro o usar equipo adicional para componer la mejor toma para ese momento específico y fugaz.

Considerar la Regla de Impares

La regla de impares es una regla de composición fotográfica que dice que se prefiere un número impar de sujetos similares en una fotografía a un número par. Muchos han sugerido que el cerebro humano busca patrones en las escenas y los números impares hacen que encontrar el patrón sea más difícil, pero también más interesante. Otros sugieren que el equilibrio de un número impar, digamos 3 o 5 objetos, es más interesante que la simetría de un número par, digamos 4 o 6 objetos.

Esta divertida toma muestra la regla de tres en acción.

Permitir Espacio Entre los Sujetos

El desorden da a una imagen una sensación de malestar, así como te sentirías al mirar una mesa o un dormitorio desordenado. Cuando hay demasiado que está sucediendo en una imagen, la historia principal o el punto se oscurecen o se pierden. En su lugar, ajusta la perspectiva, altura y profundidad de campo, o elimina algunos elementos si es posible, para darle a los sujetos principales espacio para “respirar” un poco. Esto también se puede lograr mediante el uso de un lente gran angular, como un lente de 35 mm o más.

Esta regla se emplea comúnmente en fotografía de paisaje, producto, retrato grupal, viajes y eventos, pero se aplica a todos los tipos.

Experimentar para Refinar la Composición

Es raro que un fotógrafo obtenga la escena “perfecta” en la primera toma. Más comúnmente, la experimentación y el ensayo y error con configuraciones, perspectivas, equipos e incluso ediciones de postprocesamiento son necesarios para obtener una imagen que evoque el pensamiento y sentimiento que deseas. Piensa críticamente sobre cada toma: ¿qué podría haber la hecho más evocadora o visualmente atractiva?

Imagen de Pexels

Haz los ajustes que creas que llevarán a cabo tu visión original y prueba, prueba de nuevo. Incluso los profesionales tienen espacio para mejorar.

Usar Ediciones de Post-procesamiento

Hay muchas técnicas de post-procesamiento que mejoran la composición de tus imágenes. Recortar te permite ajustar el encuadre y enderezar un horizonte o elementos. O puedes eliminar distracciones no deseadas en los bordes de tu toma. Hay muchas ediciones que se pueden hacer a la exposición, mejorando la luz y la sombra, y los contrastes.

Los ajustes de color para tono, calidez o saturación son ediciones comunes que afectan la composición. El technique de dodging es la técnica de aclarar parte de una imagen; burning es un truco utilizado para oscurecer parte de la fotografía.

Comenzar con una Visión

Ahora conoces las principales técnicas de composición en fotografía. Ponerlas en buen uso es el desafío. Y mejorarás tu composición de manera más rápida y efectiva comenzando cualquier toma con el final en mente.

Pregúntate, “¿cuál es mi visión para esta fotografía?” En otras palabras, ¿qué declaración deseas que haga o qué estado de ánimo presente? ¿Qué emoción deseas resaltar? A nivel físico, ¿qué sujeto deseas priorizar, o deseas equilibrio? ¿Qué profundidad de campo? Tener un objetivo en mente te ayuda de inmediato a saber qué reglas de composición emplear y ajustar a medida que comienzas a tomar fotos.

¿Cuáles son las Reglas de Composición Más Comúnmente Usadas en Fotografía de Retrato?

Las mejores reglas de composición para retratos son:

• La regla de tercios - Crea mentalmente una cuadrícula de 3x3 en el marco y coloca sujetos donde las líneas se conectan.
• Profundidad – Las opciones de profundidad de campo hacen que el sujeto del retrato se destaque contra un fondo borroso bokeh, que es más común, o proporcionan más profundidad de detalle.
• Líneas guías - líneas naturales o artificiales prominentes que conducen visualmente al sujeto.
• Encuadre – Usar características como un marco para crear un marco dentro del marco. Los marcos comunes son entradas, arcos de uvas, árboles o ramas.

Otras técnicas de composición comúnmente utilizadas en fotografía de retratos son expresar simetría y equilibrio, usar espacios negativos para resaltar el sujeto, y cambiar la altura o el ángulo para producir diferentes aspectos. También es importante elegir un fondo apropiado para el tipo de retrato que estás creando.